Galería de arte chileno contemporáneo y obras originales

Agustina Morales, pintora chilena dedicada al óleo y al realismo contemporáneo. En mis obras busca transmitir emociones y explorar la experiencia humana desde una mirada íntima y sensible. A través de la pintura, busco crear imágenes que inviten a la contemplación, la empatía y la conexión con el mundo interior de cada persona. Mi objetivo es desarrollar un lenguaje visual propio que transforme las emociones en obras capaces de permanecer en la memoria del espectador.

Licenciada en Artes Visuales mención Pintura (UFT), cuyo trabajo se centra en la pintura y la exploración del retrato como espacio de construcción de identidad y memoria. Su práctica combina el uso de capas, manchas y aguadas en acrílico con el interés por las imágenes de archivo y los registros fotográficos familiares, entendidos como dispositivos que revelan formas contemporáneas de representación y afecto.

Arquitecta titulada de la Universidad de Valparaíso, nacida en Viña del Mar y artista visual que encuentra en la pintura un espacio de libertad, intuición y autodescubrimiento. Su nombre artístico honra a su abuela Marta y a su bisabuela Ana, cuyo apellido Montenegro incorpora en su seudónimo, como una forma de mantener viva su memoria.

Tras ejercer la arquitectura por algunos años e incursionar en el mundo del retail, decidió seguir un camino más alineado con su sensibilidad creativa, dando el paso definitivo hacia la pintura como proyecto de vida.

Su trabajo pictórico nace desde la espontaneidad, el color y la emoción, incorporando elementos arquitectónicos mezclados con abstracción, creando escenarios oníricos y de libre interpretación. En cada obra explora un proceso libre, impulsivo y caótico, donde la creación se convierte en una forma de desconectarse del mundo, silenciar la ansiedad y perderse en el presente.

A través de su obra, Ana Montenegro busca invitar al espectador a detenerse, desconectarse y sumergirse en un universo de color y experimentación, donde puede reencontrarse con sus propias emociones.

Anjela Lobos, nació en Santiago de Chile. Inmersa en un entorno familiar en donde la dedicación a las artes visuales son tan habituales como el pan de cada día, iría impregnándose de la magia y el profesionalismo de su ambiente, para poder después volcarlo en su propia obra.

Sus obras son originales, donde utilizando diversas técnicas puede manifestar la fuerza de una artista comprometida. Desde lo incierto del lienzo en blanco hasta el estallido de matices de sus acuarelas, se revela en cada mirada la espontaneidad, las sensaciones, el ser femenino expresado en toda su complejidad en alma y colores. Ecléctica por momentos, la unidad de su obra se percibe en el todo, expresado en pinceladas que denotan miradas.

La obra de Anjela nos mira, nos cuestiona, nos conmueve, nos incomoda, nos desvía y nos atrae, como el multifacético escenario de las emociones de la vida cotidiana.

Publicista de profesión, especializado en comunicación estratégica y medios de comunicación. La pintura la ha desarrollado en forma paralela, empezando como autodidacta en la adolescencia. Actualmente dedicado a tiempo completo a pintar y exponer.

La temática representa una mezcla entre la vida en grandes urbes (principalmente Santiago y Buenos Aires) y la interacción con la naturaleza. Su obra responde al neoexpresionismo, por lo general grandes formatos, colores intensos y trazos sueltos.

La ciudad, envuelve al ser humano, lo abriga y desnuda, lo convierte en un espectador de su propia vida. La naturaleza irrumpe los paisajes urbanos, combinando colores y emociones diversas.

Francisca Mardones Velásquez es una artista visual chilena, quién está detrás de nombre Artechai. Pinta cerros y cordilleras, especialmente los paisajes del Valle de Aconcagua. Su inspiración nace de la exploración a través del trekking y el senderismo, de subir una montaña, escuchar sus sonidos, admirar su majestuosidad y encontrar tranquilidad en el camino.

A través de la pintura acrílica, representa estos paisajes con sus propios colores, buscando transmitir la atmósfera y las emociones que despierta cada lugar. Su obra invita a detenerse, contemplar la naturaleza y reconocer que disfrutarla también es aprender a conocerla, valorarla y protegerla.

Es un artista visual ítalo-chileno, Licenciado en Artes con mención en Artes Plásticas por la Universidad de Chile (2021). Su práctica se desarrolla principalmente en la pintura y el dibujo, abordando la figura desde el realismo con una aproximación contemporánea. Su trabajo explora la tensión entre presencia y ausencia, construyendo imágenes abiertas donde la narrativa permanece en suspensión.

Su vínculo con el arte comenzó desde la infancia, creciendo en un entorno familiar profundamente ligado a la creación. Hijo de un diseñador gráfico y músico y de una fotógrafa especializada en retrato en blanco y negro, se formó rodeado de diversas disciplinas artísticas. La influencia de una tía pintora al óleo, una tía abuela dedicada a la ilustración de libros infantiles y una abuela dibujante despertó tempranamente su interés por la imagen, el dibujo y la representación.

Sus primeros años de formación estuvieron ligados a la música. Más adelante desarrolló un interés por la fotografía y el lenguaje audiovisual, experiencias que ampliaron su comprensión de la composición, la luz y la construcción de la imagen. En 2017 ingresó a la Universidad de Chile para estudiar Artes Visuales, donde profundizó en la pintura —especialmente al óleo— y en el dibujo con carboncillo y grafito, consolidando una práctica centrada en la observación, la precisión técnica y la síntesis formal.

Ese mismo año inició también su formación como tatuador, trasladando los principios del dibujo y la pintura a un soporte distinto y desarrollando ambas prácticas de manera paralela. Actualmente trabaja principalmente en óleo y carboncillo sobre papel, explorando la relación entre la figura humana, la naturaleza y el silencio como elementos capaces de sugerir narrativas abiertas. Sus composiciones invitan al espectador a completar el relato desde su propia experiencia, privilegiando la contemplación por sobre la explicación.

Actualmente vive y trabaja en Santiago de Chile.

Soy publicista de profesión y artista de oficio. Mi formación artística es autodidacta y se ha construido principalmente desde la práctica, a través de talleres, cursos y el acompañamiento de otros artistas, desarrollando un lenguaje visual propio basado en la exploración constante.

Mi trabajo se centra en una reflexión crítica sobre el pensamiento y la emoción humana. A través de la ilustración, exploro temas como la soledad, los condicionamientos sociales y las estructuras que moldean nuestra identidad. Mi formación en publicidad también influye en esta mirada, permitiéndole cuestionar los discursos del consumo, el éxito y la productividad que configuran nuestra forma de habitar el mundo.

En esta ocasión presento la serie «Consumiéndome», un conjunto de ilustraciones que aborda los extremos a los que puede llegar el ser humano cuando el ritmo acelerado de una sociedad sobre consumista desplaza aquello que nos hace humanos. En una cultura donde el valor suele medirse por lo que producimos, adquirimos o aparentamos, el agotamiento, la ansiedad y la pérdida de identidad terminan por normalizarse. Cada obra busca evidenciar cómo, en ese proceso, acabamos consumiéndonos a nosotros mismos: absorbidos por una lógica que privilegia el rendimiento por sobre la experiencia humana.

Bárbara Kellemen (Asunción, 2000) pinta detalles del día a día. Cree que la belleza, y el amor, no están en lo monumental sino en lo pequeño, lo cotidiano y lo olvidado; y su pintura intenta darle a eso la atención que merece. Convertir lo desapercibido en lo monumental.

Creció en Inglaterra, Namibia y Venezuela. Ahora radica en Chile. Pinta desde los cinco años y cambiar tantas veces de país hizo del pincel su lugar más estable. De formación principalmente autodidacta, tomó clases en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Antofagasta.

Pasó por el carbón, la acuarela y el acrílico antes de llegar al óleo. Trabaja un impresionismo contemporáneo de color saturado y con mucho contraste, donde la luz y la sombra llegan al extremo. Esto con el fin de retratar la contradicción de la enorme importancia de lo pequeño.

Artista con mención en pintura del Instituto de Arte Contemporáneo. A pesar de haber estudiado hace mucho tiempo, recién hace dos años comencé a incursionar en el arte, por lo que me considero una artista emergente.

Mis paletas de colores son orgánicas e inspiradas en la naturaleza, con texturas casi táctiles que se mueven entre la abstracción orgánica y un realismo delicado. Me interesa que las texturas sean ricas, permitiendo sentir la pincelada y el dinamismo presente en cada obra. Mis obras están inspiradas en lo bello de nuestro país, Chile.

Diseñadora gráfica, egresada de la Universidad de Chile en 1978. Mi primer encuentro con el óleo fue en Abril de 2019, lamentablemente alcancé a hacer solo 5 meses de estudio de oleo en la municipalidad de La Florida. Luego todo se paralizó por estallido social y pandemia. Continué pintando sola, haciendo práctica a diario y haciendo pinturas para poner en redes sociales, primero Facebook y luego Instagram, a través de estas plataformas logré postular a varias Galerías Virtuales, pudiendo exponer en Argentina, Colombia y Perú.

Así fue que en ES Gallery de Colombia fui entrevistada y más adelante también me pidieron ser jurado (todo en línea), entre 2023 y 2024 nuevamente tomé clases, de óleo y grafito, esta vez en el Centro Cultural de la Municipalidad de Vitacura. Entre 2024 y 2025 asistí a un taller de óleo de la artista Cecilia Moya, tomando también algunas clases de acuarela. Durante mi corta carrera he logrado vender varias obras, lo que me enorgullece enormemente.

Nací en Valdivia, Chile, en 1971. Crecer rodeada de los paisajes y la lluvia del sur grabó en mí una sensibilidad especial que define mi identidad y mis raíces, enseñándome a observar el mundo con paciencia y a encontrar belleza en la naturaleza.

En el ámbito profesional, me formé como Secretaria Ejecutiva Bilingüe. Esta faceta me entregó una valiosa estructura, orden y disciplina, herramientas que se convirtieron en el complemento perfecto para canalizar mis inquietudes artísticas y dar vida a mis proyectos.

Mi verdadera vocación habita en la intersección de dos pasiones: las artes plásticas y las letras. Como artista visual y escritora de cuentos, busco un equilibrio constante. En mis obras visuales plasmo emociones a través de formas y colores, mientras que en mis relatos transformo la realidad más simple y la atmósfera sureña en ficciones profundas y evocadoras.

Hoy, como madre y esposa, equilibro mi vida familiar con mi producción artística. Mi propósito es fusionar la rigurosidad con la sensibilidad, conectando el día a día con una expresión creativa que transforme lo real en relatos y formas únicas.

Artista plástica autodidacta chilena. Trabaja con diferentes técnicas artísticas: dibujo, acrílico, mixtas, acuarelas, café, todo con lo que pueda crear sus obras.

Desde el año 2018 ha estado exhibiendo en diferentes lugares de Chile junto a colectivos. También fue seleccionada en concursos de arte y el más relevante de todos, representando a nuestro país en la Fundación "El Quijote de madera" en República Dominicana, con su obra "Don Quijote y los molinos" hecha con café sobre papel, la cual se encuentra en exhibición hasta el día de hoy.

Arquitecto por formación y diseñador por oficio, la cercanía de éstas disciplinas a otras expresiones artísticas, me llevó a interesarme en la escultura y la pintura y muy especialmente en la práctica del retrato, expresada en diversas técnicas.

Hoy sin embargo, la pintura concentra mi principal interés artístico y particularmente, el paisaje litoral y la naturaleza del mar como temática.

Un viaje y estadía de varios años en Europa, me permitió definir este camino de exploración y descubrimiento de las posibilidades del color y la materialidad, donde la espátula juega un rol protagónico para plasmar en tela, no necesariamente la reproducción visual fiel de la escena marina sino más bien, una intención por dar cuenta de las emociones que provoca.

Danae Vallejos es una artista visual autodidacta, ingeniera comercial de la Universidad de Chile y empresaria, radicada en Pucón desde 2015.

Su vínculo con el arte comenzó en la adolescencia, manifestando desde temprana edad una especial fascinación por el dibujo de rostros. Aunque inició sus estudios superiores en Arquitectura, finalmente orientó su formación hacia el mundo empresarial, dejando en segundo plano una pasión que siempre permaneció presente.

Tras desarrollar su trayectoria profesional en Santiago, decidió trasladarse a Pucón en busca de una mejor calidad de vida y para emprender en otra de sus grandes pasiones: el mundo animal.

Después de décadas alejada de la práctica artística, retomó el dibujo hace aproximadamente dos años, inicialmente como un ejercicio terapéutico dentro de un profundo proceso de autoconocimiento. Lo que comenzó como un espacio íntimo de exploración emocional se transformó inesperadamente en una práctica esencial de su vida y en una poderosa forma de expresión personal.

Su desarrollo artístico ha sido completamente autodidacta, construido a través de la exploración, la experimentación y la práctica constante. En el carboncillo encontró su principal medio de expresión, descubriendo progresivamente sus posibilidades y desarrollando una manera personal de utilizarlo para alcanzar el detalle, la profundidad y las sutilezas del hiperrealismo.

Los rostros humanos y animales constituyen su principal fuente de inspiración. A través de las miradas, los gestos y las expresiones, busca transmitir emociones y revelar aquello que muchas veces permanece oculto bajo la apariencia.

En su obra más reciente, su proceso de transformación personal la ha llevado a conectar profundamente con la energía femenina, explorando dimensiones como la identidad, la vulnerabilidad, la fuerza y la sensualidad.

Sus series Arquitectura del ser y Sensualidad reflejan distintas facetas de esta búsqueda, donde el arte se convierte en un espacio de reconocimiento, libertad y reconstrucción de su propia identidad.

Es diseñadora gráfica y artista visual de origen brasileño, radicada en Chile desde hace dos décadas. Su trayectoria profesional está marcada por una sólida base en el diseño, disciplina en la que se tituló en la Universidad Andrés Bello. Formación técnica, complementada por sus estudios en contabilidad en Brasil, aporta a su obra un sentido estructurado y una capacidad analítica en la gestión de sus procesos creativos.

Raíces y Motivación: La sensibilidad creativa de Edivane posee raíces familiares profundas. Creció rodeada del legado de su madre, quien le transmitió, a través de la costura, el bordado y la pintura, la pasión por la creación ejecutada con dedicación y delicadeza. Este legado personal se resignificó en 2021, cuando el arte emergió como un espacio de redescubrimiento y sanación. Motivada por el bienestar de sus hijos, Edivane descubrió en el ejercicio plástico una poderosa herramienta de arteterapia, capaz de canalizar emociones y fomentar la concentración.

Evolución Artística: A partir de 2022, Edivane se dedica íntegramente a su práctica artística, consolidándose dentro del panorama del arte abstracto contemporáneo. Su trabajo se distingue por una técnica innovadora que busca romper los límites de los medios tradicionales, capturando la atención del espectador mediante una propuesta estética que equilibra la audacia visual con una profunda introspección personal.

Emilio Troncoso Sanhueza es un artista visual chileno radicado en Santiago. Entre 2002 y 2005 estudió Licenciatura en Artes Plásticas en la Universidad de Chile, formación que marcó sus primeros acercamientos sistemáticos a la práctica artística.

Su trabajo se desarrolla principalmente en el campo de la pintura abstracta, a través de técnicas mixtas que combinan acrílico, marcadores, pintura en spray, óleo en barra y collage, entre otros recursos. Sus obras se caracterizan por una aproximación formal y gestual, donde el proceso adquiere un papel central.

Su práctica pictórica se construye desde la intuición y la exploración, incorporando procedimientos como el automatismo, la escritura asémica y la creación de simbologías surgidas de la asociación libre. De este modo, las obras se desarrollan como espacios abiertos a la interacción entre gesto, materia, signo y azar, recogiendo las distintas influencias que atraviesan el proceso creativo en cada momento.

Soy Estefanía Valenzuela, tengo 25 años y soy artista visual autodidacta de Santiago de Chile. Dibujo desde los seis años y hace más de siete encontré en la pintura un espacio para explorar y expresar aquello que muchas veces no logro decir con palabras.

A través de SilencioGrafito experimento de manera espontánea con distintas técnicas, materiales y formas, muchas veces utilizando aquello que tengo a mano y cerca: pintura de uñas, corrector, café, acuarela, acrílico, óleo, entre otros. Más que una limitación, esta forma de crear se convirtió en parte de mi lenguaje.

Mis obras nacen sin una planificación completamente definida y se construyen desde lo que ocurre en el proceso. En ellas aparece recurrentemente un movimiento ondulante, casi serpentino, que reconozco como una manifestación inconsciente de una de mis propias fobias: aquello que alguna vez fue temor se transforma en materia, movimiento y expresión.

Mi interés no es dirigir la interpretación del espectador, sino provocar una experiencia. Si una obra logra detener a alguien, aunque sea por un instante, y despertar una emoción, una incomodidad o una pregunta, entonces el diálogo ya comenzó.

Pintor, Licenciado en Artes mención artes Plásticas de la Universidad de Chile. La temática en su pintura es la visión personal del paisaje latinoamericano, inspirados en la primeras manifestaciones y registros gráficos de las culturas originarias, sin basarse en ninguna en particular.

En su trabajo se caracteriza el uso expresivo del color de un carácter lúdico y fantástico. Su pintura trata de transmitir la energía de la naturaleza desde una gráfica no tradicional, que el espectador descubra y relacione las formas del paisaje, flora y fauna, basándose en la libre interpretación del imaginario de carácter lúdico y fantástico.

El desarrollo de los temas o contenidos de su obra es la experiencia de estar dentro de la naturaleza, física y mentalmente, desde el punto geográfico ayudando a construir el imaginario de una forma muy sencilla y feliz. Cuenta en su recorrido como pintor con varias exposiciones colectivas e individuales.

Su trabajo está presente en distintas colecciones particulares a nivel local como internacional, entre ellos Chile, EE.UU, Italia, Australia, Alemania, Argentina, Inglaterra, Nueva Zelanda, Rusia, Japón y más.

Explora el uso de materiales tradicionales y alternativos de la pintura mezclando su función.

Francisco Santórsola es un artista chileno de 20 años. Estudio pintura al óleo en Madrid desde el año 2024 con el profesor Daniel Aguirre (DAO), artista con varias exposiciones en Europa. En el año 2022 comenzó su formación en Chile en la academia Martín Soria y actualmente mantiene clases online en su academia, con enfoque en la filosofía del arte y la naturaleza del ser humano.

En el año 2023 realizo su primera exposición colectiva en el Centro Cultural Bosque Nativo en Puerto Varas, Chile. Actualmente sigue sus estudios en la técnica de la pintura al óleo clásica y nutriéndose con la cultura artística de Madrid.

Héctor Urbina Lobos, más conocido por su seudónimo artístico Garetti, es un pintor chileno con una trayectoria de más de cinco décadas dedicadas al arte. Su vínculo con la pintura nació en la infancia, inspirado por la constante observación de su padre, también pintor, quien despertó en él una profunda admiración por el oficio y el proceso creativo.

Artista autodidacta, Garetti ha desarrollado un lenguaje pictórico propio, destacándose especialmente por su dominio de la técnica del óleo con espátula. Su obra encuentra una de sus mayores expresiones en los paisajes chilenos, donde logra transmitir la fuerza, la luz y la identidad del territorio mediante un magistral manejo de la espátula y una composición de gran riqueza visual. No obstante, su inquietud artística lo ha llevado a explorar diversas corrientes y temáticas, demostrando una notable versatilidad y un sólido dominio técnico.

A lo largo de su carrera ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, especialmente durante sus primeros años como artista. Sin embargo, fiel a su carácter reservado e introspectivo, ha preferido mantener una relación íntima con la creación, encontrando en la tranquilidad y el silencio de su taller el espacio ideal para desarrollar su obra.

Con más de 50 años de trayectoria, Garetti continúa pintando con la misma pasión que marcó sus inicios, consolidando un legado artístico construido desde la constancia, la sensibilidad y un profundo amor por la pintura.

Dentista de profesión, nadadora apasionada, encontró en el arte una nueva forma de expresión tras años dedicados a la odontología y en particular, a la ortodoncia. Inspirada por la fluidez y la libertad del agua, decidió reinventarse como pintora, plasmando en sus lienzos la fuerza y la gracia de las nadadoras. Sus obras, llenas de color y movimiento, exploran la conexión entre el cuerpo humano y el entorno acuático, evocando emociones de calma y energía.

Giovanna combina su meticulosa formación odontológica con la creatividad artística, logrando piezas que transmiten precisión y sensibilidad. Su transformación ilustra cómo los cambios pueden abrir caminos inesperados y llenos de significado. Giovanna retrata nadadoras y bañistas en pleno movimiento, explorando la conexión entre el cuerpo y el medio acuático. Su trabajo, celebrado por su dinamismo y emotividad, refleja una profunda admiración por el poder transformador del agua y la belleza de la relación entre el ser humano y la naturaleza.

Héctor Urbina Lobos, más conocido por su seudónimo artístico Garetti, es un pintor chileno con una trayectoria de más de cinco décadas dedicadas al arte. Su vínculo con la pintura nació en la infancia, inspirado por la constante observación de su padre, también pintor, quien despertó en él una profunda admiración por el oficio y el proceso creativo.

Artista autodidacta, Garetti ha desarrollado un lenguaje pictórico propio, destacándose especialmente por su dominio de la técnica del óleo con espátula. Su obra encuentra una de sus mayores expresiones en los paisajes chilenos, donde logra transmitir la fuerza, la luz y la identidad del territorio mediante un magistral manejo de la espátula y una composición de gran riqueza visual. No obstante, su inquietud artística lo ha llevado a explorar diversas corrientes y temáticas, demostrando una notable versatilidad y un sólido dominio técnico.

A lo largo de su carrera ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, especialmente durante sus primeros años como artista. Sin embargo, fiel a su carácter reservado e introspectivo, ha preferido mantener una relación íntima con la creación, encontrando en la tranquilidad y el silencio de su taller el espacio ideal para desarrollar su obra.

Con más de 50 años de trayectoria, Garetti continúa pintando con la misma pasión que marcó sus inicios, consolidando un legado artístico construido desde la constancia, la sensibilidad y un profundo amor por la pintura.

Huwaida Alarja es artista visual de origen Palestino,radicada en Chile. Ha trabajado con diversos estilos como el realismo,figurativo, expresionismo y abstracto,
especializándose finalmente en técnicas mixtas con acrilicos fluidos. Su obra destaca por el uso expresivo del color, las texturas y grandes formatos. Sus creaciones nacen desde el sentimiento: no busca representar una realidad concreta, sino dejar que su alma e imaginación se expresen en colores, texturas y formas.

Es un pintor figurativo chileno. Formado en la Escuela de Arte de la Universidad Católica bajo la guía de maestros como Gonzalo Cienfuegos, Hernán Miranda y Eduardo Vilches, quien dejó una marca profunda en su aproximación al color.

Ha desarrollado una carrera que concilia la precisión del diseño visual con la riqueza de las artes plásticas. Tras una sólida trayectoria de más de tres décadas en el ámbito del diseño gráfico en televisión (Canal 13 y Megamedia), en los últimos años ha volcado su búsqueda artística hacia el óleo y los formatos físicos.

Su obra explora el realismo, la memoria y el paisaje territorial chileno, destacando en esta muestra una interpretación pictórica inspirada en las atmósferas y el imaginario visual de Chiloé.

Es arquitecta y artista visual radicada en Santiago de Chile. Mi práctica artística combina la espontaneidad y la estructura utilizando dos lenguajes complementarios: la acuarela y el dibujo con tiralíneas y grafito.

A través del agua y el pigmento, exploro el movimiento orgánico de la naturaleza, permitiendo que la humedad defina atmósferas vivas y cambiantes y la tensión entre movimiento y calma.

En contraste, mis obras en tinta abordan el arte meditativo y el Zentangle, donde la repetición del trazo construye geometrías y texturas minuciosas dando valor al trazo como herramienta de enfoque y quietud. Ambos lenguajes convergen en un mismo propósito: invitar a la pausa consciente y a la observación profunda del ritmo natural y mental. Mi obra es un puente sensible entre el control consciente de la línea y la libertad impredecible de la mancha.

Javier Gómez (Chile, 1980) es artista visual y acuarelista autodidacta. Su trabajo combina dibujo detallado y uso expresivo del color, con una propuesta que mezcla lo cotidiano, lo simbólico y lo fantástico. Le atraen las historias que nacen de objetos y espacios domésticos , a los que imprime fantasía, nostalgia y guiños a la cultura popular de los años 80 y 90. Ha participado en exposiciones colectivas nacionales e internacionales, ferias de arte y mantiene una activa presencia en redes sociales, donde difunde su obra y procesos creativos.

Jeanette Lorena Pino nació el 15 de julio 1963. Desde pequeña le encantó la pintura, pero su madre la instó a que se preocupara de hacer cosas más productivas. Hace unos años su marido le regaló un atril y la motivó a que volviera al arte. Empezó por cuenta propia y luego asistió al curso de pintura de Miss Espíndola, quién la ayudó a desafiarse a si misma e ir mejorando cada día. La inspiración para profesionalizar su arte vino del artista Guillermo Lorca, a quién escuchó afirmar que sí se puede vivir del arte. Ya tiene una trayectoria de diez años en pintura al óleo, dibujo en grafito y lápices de colores.

Jessica Figueroa es artista Chilena, en sus pinturas busca plasmar el universo emocional de la mujer. Su obra nace de la intuición, el sentir profundo y la necesidad de dar forma a aquello que muchas veces permanece en silencio. Su practica transita desde lo emocional, siendo un desarrollo libre y sensible, sin reglas fijas.

Karla Angélica, artista visual y collagista chilena de 27 años, desarrolla su trabajo principalmente a través de la pintura al óleo y el collage, con un interés particular por la representación figurativa y la exploración de contextos surrealistas.

Inició su práctica artística en 2024 y posteriormente realizó un Diploma en Pintura al Óleo en la Academia Metropolitana de Arte, en Santiago. Su obra explora temas relacionados con la identidad, la percepción y la experiencia personal, utilizando principalmente la figura humana y el autorretrato como medios para abordar estados emocionales y procesos de introspección.

A través de la pintura y el collage, busca construir imágenes que transiten entre lo reconocible y lo imaginario, alterando situaciones y contextos cotidianos para explorar nuevas formas de representar la experiencia interior. Su práctica se encuentra en constante desarrollo, combinando el estudio de la representación figurativa con una búsqueda personal en torno a la identidad, la expresión y lo surreal.

Liliane Hasard Uribe es una artista visual licenciada en Arte (PUC). Ha expuesto en varias galerías como Galería Vermillion, Manifiesto Gallery, Galeria Vala y Eduardo Lira Art Gallery, aparte de algunas ferias.

Lorena Barrios es una artista visual nacida en 1982 en Santiago de Chile, su formación artística ha sido constante y multidisciplinaria, explorando diversas técnicas en talleres de dibujo, pintura al óleo, acuarela, escultura y experiencias que han dado forma al lenguaje sensible y expresivo presente en su obra.

Actualmente desarrolla su trabajo principalmente en acuarela y óleo, mientras combina su práctica artística con la docencia en artes plásticas.

Profesor de Música nacido en Cauquenes y radicado hace años en Valparaíso. Actualmente se dedica principalmente a la luthería, ebanistería y acuarela.

Desde niño tuvo un gran interés por el dibujo pero con el paso de los años este interés se fue perdiendo y fue reemplazado por la música junto a la luthería. Hace algunos años experimentó casualmente con la acuarela, medio que despertó nuevamente su interés por las artes visuales. A partir de entonces decidió retomar su vínculo con el arte a través de esta técnica, tomando clases formales con Vicomororo, destacada acuarelista contemporánea Chilena.

Su obra aborda principalmente paisajes oníricos, escenas nocturnas, marinas y representaciones vinculadas al mundo de los sueños. Luis encuentra en la acuarela una forma distinta de expresión, ya que es un medio especialmente atractivo por su carácter impredecible: una técnica que nunca se puede controlar por completo y que ofrece un espacio constante para la experimentación y sorpresa.

Ha expuesto su obra en Galería Gris de Payne, Valparaíso y también en el festival de acuarela Urbino in Acquerello, Italia. Formando parte de su catálogo 2026.

Luis Venegas, artista visual chileno. Es Profesor de Artes Plásticas, estudió en la Universidad de Concepción. En la escuela de postgrado de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile estudia el Magíster en Artes Mediales por su interés en la creación de videojuegos e interactividad. Cursa Escultura en Fierro en la P. Universidad Católica de Chile. Luis Venegas, ha participado en exposiciones individuales y colectivas con esculturas y pinturas. Labora dando clases y desarrollando proyectos de audiovisual y de multimedia. Ha desarrollado proyectos interactivos para museos.

María José Espinoza es artista visual, Licenciada en Artes Plásticas y diplomada en Arteterapia. Su obra nace desde la reflexión sobre nuestra pertenencia a un hogar compartido. A través de retratos de fauna y paisajes sugeridos, invita a reconocer el valor intrínseco de las especies y de las múltiples relaciones que sostienen la vida en la Tierra.

María José pinta para recordar que la naturaleza no es aquello que nos rodea, sino una gran trama de interacciones de la que somos una hebra más. Bajo esa convicción, su trabajo propone una reflexión sobre nuestro vínculo con la naturaleza, convencida de que solo protegemos aquello cuyo valor aprendemos a reconocer y respetar.

María José Parot, artista visual de 23 años oriunda de Isla Negra, Licenciada en Artes en la Pontificia Universidad Católica. Su proyecto artístico se construye desde la memoria y la autobiografía, entendidas como territorios de investigación visual y personal.

A través de la pintura y el dibujo trabajar con la vulnerabilidad como potencia expresiva, donde lo frágil se convierte en lenguaje y lo cotidiano adquiere densidad simbólica. El cuerpo y los espacios habitados aparecen como archivos de emociones, pérdidas y resistencias, revelando que lo personal nunca es solo individual, sino también colectivo.

Es Ecólogo Paisajista, titulada de la Universidad Central. Actualmente está cursando el Diplomado en estudios de arte, mención pintura de la Pontificia Universidad Católica . Aunque comenzó tarde su exploración artística, siempre he estado relacionada a lo creativo a través del “Arte del Jardín” Utiliza el color, la luz y la composición, interpretando paisajes y elementos naturales, para crear experiencias visuales donde la realidad y la imaginación se encuentran.

En esta exposición colectiva, la artista presenta su trabajo que tiene como punto de partida, los colores vibrante, inspirados en lo orgánico y lo natural. Sus composiciones dinámicas que crean movimiento, profundidad y energía visual, invitan al espectador a experimentar emoción a través del color y el ritmo.

Desde el año 2020 se ha dedicado de manera constante a la pintura, aunque su vínculo con el arte comenzó en la infancia. A lo largo de su trayectoria explorado diversas disciplinas artísticas, como el grabado serigráfico, la pintura acrílica y la escultura cerámica.

Su desarrollo en la acuarela comenzó durante sus estudios de Diseño de Vestuario, en 2016, y hasta el día de hoy tanto la acuarela como el acrílico la acompañan en su práctica artística cotidiana.

Su obra está inspirada principalmente en los animales, pudiendo calificarse dentro de la pintura animalista con un estilo naif. A través de ella explora el vínculo emocional y simbólico, así como el profundo respeto que debe existir entre el ser humano y el mundo animal, convirtiendo cada pintura en un ejercicio de memoria sobre la existencia y valor de la fauna.

Nací en Constitución, Chile, estudié Pedagogía en Artes Plásticas en la Universidad de Chile,durante su período de transición a la Universidad de Talca. Tras la pandemia retomé mi práctica artística como un proceso de reconstrucción creativa y reflexión personal.

Mi trabajo pictórico transita entre el realismo, el expresionismo y el pop art, utilizando diversos materiales y recursos visuales. Mi obra aborda temáticas vinculadas al cuerpo, la memoria, la identidad, la figura humana, los pueblos originarios y el territorio, entendiendo la pintura como un espacio de exploración sensible y simbólica.

Actualmente desarrollo series pictóricas de carácter conceptual, donde el color, la mancha y la gestualidad operan como ejes centrales del proceso creativo, proyectando estas obras a instancias de exhibición y producción artística. Hasta el presente, mi práctica artística se sostiene en una persistente disciplina y un compromiso continuo con el proceso creativo.

Nací en Caracas, Venezuela, en 1969. Desde muy temprana edad descubrí en la pintura un medio natural de expresión, participando en diversos talleres de arte que marcaron el inicio de un camino creativo que, con el tiempo, desarrollé de manera autodidacta.

Mi obra se sitúa en la convergencia entre el paisajismo abstracto, la abstracción lírica y la pintura procesual. A través de capas de acrílicos, tintas, minerales y otros materiales, exploro la relación entre la materia, el color y la memoria del paisaje, creando composiciones donde la naturaleza deja de ser una representación para convertirse en una experiencia sensorial y emocional.

Cada pieza es única e irrepetible. El proceso pictórico, las texturas y los campos cromáticos construyen superficies que invitan a una contemplación pausada, donde la luz, el tiempo y la materia dialogan para evocar la esencia de los paisajes que inspiran mi trabajo.

En 2015 presenté mi primera exposición individual, «Ventana a la Abstracción», en Casa Falleri Hotel Boutique, en Barranco, Lima, Perú. En 2023 participé en la exposición colectiva «Unidos por la Paz», realizada en Galería Manifiesto, Santiago de Chile, junto a artistas chilenos, ucranianos y venezolanos.

Nelson Jorquera es médico ginecólogo-obstetra chileno con cerca de 30 años de práctica clínica, y desde hace dos décadas desarrolla en paralelo una obra pictórica propia. Se formó bajo el profesor Julio Tobar en el Departamento de Artes Visuales de la Universidad de Chile. Su conocimiento clínico de la anatomía y el cuerpo humano permea directamente su lenguaje visual y conceptual.

En su serie Tartaria, imagina una civilización cuya vida floreció a partir del silicio en vez del carbono, alzando ciudades de cúpulas y agujas cristalinas donde la materia y el espíritu conviven en tensión constante. Su obra ha sido reconocida internacionalmente, incluyendo un premio de exposición individual otorgado por Galería Andrómeda 3.20 en Ciudad de México (2022).

Orlando Contreras es licenciado en física y pintor Venezolano del estilo realista-academista, desde muy joven se sintió atraído al dibujo y a la pintura. Aprendió el dibujo y las formas de la figura humana estudiando en talleres especializados de pintura, analizando las formas del cuerpo, buscando colores vivos y miradas que transmitan sentimientos.

Paola nació en el año 1971 en la Ciudad de Santiago de Chile. Su Padre aficionado al dibujo de caricaturas, tomó cursos de arte por correspondencia que le llagaban a su casa. Paola siendo una niña y al ver esos cursos se interesó por el dibujo y comenzó a practicarlo. Al pasar los años tuvo la posibilidad de tomar cursos de Pintura en el Colegio Salesianos donde estudiaba su hijo menor. A partir de ese momento retomó lo que tanto le apasionaba, “La Pintura”.

Jana es el nombre artístico de Paola Hernández, pintora autodidacta radicada en Santiago de Chile. Nacida y criada en el campo, desde muy pequeña desarrolló una profunda capacidad de observación hacia la naturaleza, encontrando inspiración en la belleza de las flores, los animales y los pequeños detalles que la rodeaban. El dibujo y la pintura fueron, desde la infancia, su forma más natural de expresión.

Su obra, de carácter realista, se desarrolla principalmente en óleo y acuarela, técnicas con las que busca transmitir la delicadeza, la luz y la riqueza del mundo natural. A través de cada pintura, Jana invita al espectador a detenerse, observar y redescubrir la belleza presente en lo cotidiano.

Ha participado en diversas exposiciones colectivas, entre ellas la realizada en el Estadio Italiano polimatas (2024), Art Week 2025 y la muestra Entre el Pincel y la Música, presentada en el Palacio Cousiño (2026), consolidando así el desarrollo de su trayectoria artística.

Formado académicamente en el diseño gráfico y posteriormente desde la libre práctica del juego plástico, Pizarro ha construido durante los últimos años una investigación plástica que transita por distintos procedimientos y lenguajes, desde la gráfica y la pintura hasta las técnicas mixtas. Sin embargo, más allá de la diversidad de recursos, existe una preocupación persistente que articula su trabajo: la figura humana como territorio de exploración.

Sus personajes aparecen suspendidos en escenarios que parecen pertenecer a una realidad paralela. Son figuras reconocibles y, al mismo tiempo, extrañas; próximas y distantes. A menudo carecen de un rostro definido, como si aquello que nos identifica pudiera desaparecer para dar paso a una condición más amplia, menos individual y más simbólica. El cuerpo deja entonces de ser únicamente una representación para transformarse en un espacio de tránsito.

En estas obras, el ser humano parece encontrarse siempre al borde de algo. No sabemos exactamente hacia dónde mira, de dónde viene ni cuál será su próximo movimiento. Pizarro construye así una suerte de incertidumbre visual donde los personajes habitan atmósferas que no obedecen completamente a las leyes de nuestra realidad cotidiana. Hay algo surreal en estos espacios, pero no necesariamente como evasión del mundo, sino como una manera de ampliarlo.

Es una artista visual chilena, originaria de Constitución y radicada en Santiago, desarrolla una práctica artística que dialoga con su interés por la experiencia humana. Su obra explora la relación entre individuo, espacio e identidad mediante la abstracción y el color.

Peter Hatton Poblete (Santiago de Chile, 2000) es un artista visual emergente cuya práctica se desarrolla desde una temprana sensibilidad hacia la observación del entorno y los procesos perceptivos. Convive con una discapacidad motora producto de un síndrome hemolítico urémico (SHU) sufrido en la infancia, experiencia que ha incidido en su relación con el espacio, el tiempo y el gesto. Estas dimensiones atraviesan su trabajo pictórico, donde la pintura se entiende como campo de exploración material y sensorial. Es egresado de la carrera de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile (2024).

Desde la infancia el arte estuvo presente en su vida de manera constante. Recuerda especialmente los momentos compartidos con su abuela, Cecilia Bunster, escultora formada en la Universidad de Chile, en cuyo taller realizaban piezas en greda. Estas experiencias tempranas marcaron su vínculo con la creación visual. Durante la adolescencia continuó desarrollando esta vocación mediante clases de pintura con Sebastián Valenzuela, artista chileno y docente de la Universidad Finis Terrae.

Ha presentado su obra en nueve exposiciones colectivas, tres individuales y en una feria de inclusión realizada en el Colegio Pioneros de Chicureo. Entre sus experiencias recientes destacan muestras en el Espacio Vilches del Campus Oriente UC (2024), en la galería Espacio en Tránsito (2025) y en Centro Cultural Las Condes (2026), instancias que han permitido visibilizar una producción en desarrollo.

Su obra reciente se articula en una serie de pinturas de formato irregular inspiradas en registros fotográficos de fragmentos de naturaleza, o como el propio artista denomina, micro-paisajes. A partir de acercamientos a superficies orgánicas, piedras, cortezas, musgos, aguas detenidas o detalles vegetales, construye imágenes que oscilan entre la abstracción y la evocación del paisaje. El registro fotográfico funciona como punto de partida, pero es en la pintura donde la imagen adquiere autonomía, espesor y ritmo visual.

En estas obras investiga relaciones entre contorno, color y espacialidad, tensionando los límites del soporte rectangular mediante formas recortadas. Actualmente desarrolla nuevas líneas de trabajo mientras continúa profundizando su práctica profesional.

Paola Mauro Medina es Ingeniera de profesión y artista por vocación, oriunda de Rancagua, actualmente vive en Santiago de Chile. Su primer acercamiento a la pintura fue en 1987, año que empezó a tomar clases en la extensión cultural en Rancagua donde asistió por 2 años, volvió a tomar clases de pintura el 2005 en el taller de Arte llamado TODO ARTE en donde tuvo la oportunidad de exponer 2 veces en exposiciones colectivas en el Museo de Rancagua.

Desde 2020, tras su llegada a Santiago, empezó a tomar clases en la Academia Metropolitana de Arte, pintando diferentes estilos en busca de el estilo que siempre le ha gustado, el surrealismo, siendo pintores como Dalí, Remedios Varo, Leonora Carrington y Magritte sus referentes.

Ha participado en instancias nacionales e internacionales, destacando ART WEEK 2024 con su obra »Complemento floral», exposiciones virtuales en Galería DOXA de Argentina(2025 y 2026), en el Premio Anima Latina Toscana 2025 y en Galería Eduardo Lira(2026).

Renata Pierina es Licenciada en Arte por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso y Licenciada en Estética por la Pontificia Universidad Católica de Chile. Su investigación pictórica se centra en la representación de lo divino a partir de su propia relación y conocimiento de Dios, explorando también los vínculos entre lo sacro, lo mitológico y lo onírico. En su obra, la luz adquiere un rol fundamental, convirtiéndose en un personaje más en escena, una alegoría que permite hacer aparecer cuerpos, imágenes y simbologías que dialogan continuamente entre sí y con aquellas fórmulas visuales que, como Pathosformel, permanecen en la memoria de la historia del arte.

Ricardo Vega Munizaga, Nace en Copiapó el año 1988, su infancia la vive en la ciudad de La Serena, donde comienzan sus primeras incursiones en el dibujo. El año 2000 llega a la Patagonia, enfrentándose a un radical cambio de vegetación. Durante su adolescencia continúa siempre ligado al dibujo. El año 2012 incursiona por primera vez en el muralismo. El 2019 entra al mundo del tatuaje y la ilustración en digital hasta el día de hoy, el año 2024 comienza sus primeras incursiones en la acuarela, entrando fuertemente el 2025 mientras se encontraba en un tratamiento oncológico. - mediados del 2025. Comienza a realizar ventas de sus pinturas a lo largo del país, realizando envíos a ciudades como Copiapó, Concepción, Santiago, Villa O'Higgins, El Salvador.

Saturno Farfán es un artista visual chileno de 24 años, el cual converge su formación en diseño de vestuario y literatura en una práctica que explora la relación entre imagen, indumentaria, identidad y narrativa, principalmente a través de la pintura al óleo, ilustración y escritura.

Aunque el arte ha ocupado un lugar central durante toda su vida, a los 23 años decide formalizar su práctica artística, para lo que fue fundamental su encuentro con el artista argentino Ricardo Celma, quien le enseñó las bases de la pintura y tomando un rol de maestro antes de continuar su formación en el Diplomado de Pintura al Óleo de la Academia Metropolitana de Arte en Santiago.

Su trabajo se caracteriza por la fascinación que tiene el artista por el universo y estética circense, particularmente la figura del payaso, lo que complementa con el uso de colores vivos y una aproximación expresiva a la pintura. En esta serie de siete cuadros el payaso aparece como una representación de la máscara social, el personaje construido para ser visto, interpretado y recibido con emoción.

El vestuario y principalmente el calzado toman un rol protagónico en la obra, ya que para el artista los zapatos hablan más que nada de quien los lleva, revelan personalidad, movimiento, desgaste, formas de habitar y moverse por el mundo. Son aquello que toca el suelo y nos mantiene en la realidad, sin romper la fantasía. Nunca vemos al payaso completo, pero podemos imaginarlo, a través de sus gestos y entorno. La obra más que hablar de los personajes que representa plantea una reflexión respecto a los roles e identidades que las personas adoptan para atravesar la vida.

El cuento escrito por el mismo artista “Rolan en Recursos Humanos» es lo que titula la serie de cuadros, en el logra representar su propia emocionalidad cómicamente a través de un personaje llamado Rolan, el payaso que se instala cuando se traga un nudo en la garganta, redecora la tráquea y lo hace decir cosas de las que luego se arrepiente. Esta representación de la escisión entre la persona funcional y la emocional es lo que da origen a la obra de Saturno en la muestra presente.

Tatiana Zentsova pinta principalmente en acuarela, oleo y en una antigua técnica renacentista, que combina oleo con tempera de huevo preparada a mano. Su pintura es figurativa y abarca diversas temáticas. Predomina paisaje urbano y naturaleza, donde explora diversos estados de iluminación, lo cambiante y sugerente que puede ser.

Se inicio a temprana edad en su país natal, Rusia, donde asistió a una escuela de arte. Luego estudio y se titulo de arquitecta con especialidad en restauración. En Chile curso diplomados de dibujo en figura humana en la Universidad Católica y asistió al taller del pintor Juan Subercaseaux, donde aprendió la técnica renacentista.

Ha realizado siete exposiciones individuales en Chile, donde reside desde 1994 y varias colectivas en Rusia, Italia, Argentina y Chile. Obtuvo un primer lugar en concurso de pintura Art Geo award (2017, Moscu World Art Forum, nominación: “Personas, pintura costumbrista”).

Mi trabajo artístico busca una narrativa visual, que construyo con el recuerdo, con el olvido, con la deuda de la realidad social o simplemente emociones sobre la belleza de los objetos y la magia del color.

Valeska Fuentes es una artista visual chilena cuya obra nace de la memoria, los afectos y aquellos pequeños momentos cotidianos que, con el paso del tiempo, adquieren un significado profundo.

Su trabajo explora la relación entre los objetos sencillos de la vida diaria y las emociones que estos son capaces de despertar. A través de la pintura y una mirada íntima sobre lo cotidiano, transforma recuerdos personales en imágenes que buscan conectar con experiencias universales: la familia, la ausencia, el amor, la nostalgia y aquello que permanece en nosotros incluso cuando las personas ya no están.

Una parte importante de su propuesta artística surge desde la figura de su padre, quien cocinaba con amor y dejó parte de sí mismo en los recuerdos asociados a la comida. Platos aparentemente simples —un huevo frito, un mote con huesillos, una cazuela de vacuno o una empanada— se convierten en símbolos de presencia, cariño y memoria.

En esta serie aparece el concepto Meraki, palabra de origen griego que representa hacer algo poniendo en ello una parte de uno mismo, con amor, dedicación y alma. Para Valeska, Meraki representa precisamente aquello que su padre dejó en cada preparación: una parte de él que continúa viva en los recuerdos.

Su obra invita a detenerse frente a lo sencillo y descubrir que muchas veces aquello que parece cotidiano es justamente lo que guarda nuestras historias más importantes.

“Porque a veces no recordamos exactamente el momento, pero sí recordamos cómo nos hizo sentir.”

Residente en Santiago de Chile, Verónica propone un arte donde la fibra y las emociones humanas se entrelazan. Ingeniera y Analista de Sistemas de formación, su pensamiento sistémico confluye hoy en el textil como su lenguaje más auténtico.

Autodidacta por naturaleza, desarrolló su técnica observando desde niña cómo tejían y bordaban sus abuelas. Ese "aprender mirando" le permitió rescatar un oficio ancestral que se ha diluido en la modernidad, devolviendo el valor a lo hecho a mano. En su obra, la precisión analítica se encuentra con esa memoria táctil heredada.

Para Verónica, el arte es una extensión de su labor como terapeuta en PNL: una manifestación de que todos poseemos los recursos para rediseñar nuestra realidad. Actualmente, equilibra ambas vocaciones como disciplinas que se nutren mutuamente, dando forma tangible a la belleza de los mundos interiores.

Statement

Vengo de entender sistemas —humanos y estructurales—. Siempre busqué el orden detrás del caos. En el arte textil descubrí que el caos mismo puede ser el camino.

La arpillera… rústica, humilde, olvidada… la corto, la fragmento, la destruyo —y luego la reconstruyo— para llegar a algo que antes era imposible imaginar.

Crear es mi cable a tierra; después de largas sesiones sosteniendo el dolor ajeno, el arte me devuelve a mí misma. Me nutre para volver a dar.

Mi obra nace de la convicción de que la ruptura es solo el principio de algo más luminoso y que de la simpleza puede nacer algo extraordinario.

Vicente Andrade (Santiago, Chile. 1999) es artista, pintor y dibujante con Licenciatura en Artes Visuales, mención pintura, en la Universidad Finis Terrae.

Desde que tiene memoria, la música siempre ha sido la primera en influenciar muchas de sus inquietudes en la vida. Su trabajo, se construye a través del estudio del retrato hacia algunos de los músicos que lo inspiran. El acto de retratarlos, sin embargo, nace como una respuesta a que en realidad muchas de las veces esa admiración no es sólo por la música en sí sino que por quien es la persona que está detrás de ella en su calidad de artista. Sus obras han sido exhibidas en Chile en varias exposiciones individuales y colectivas.

Actualmente se encuentra promoviendo su libro “Estudio para un Retrato de Anneke Van Giersbergen”, el cual reúne dibujos, pinturas y textos de su autoría en homenaje a la cantante y compositora neerlandesa Anneke Van Giersbergen.

Yael Bello Toro (Yoto) es artista visual, docente y gestora cultural venezolana radicada en Chile. Es abogada, graduada de la Universidad Católica Andrés Bello (Venezuela), donde posteriormente obtuvo un Máster en Derecho Procesal. En Chile realizó un Diplomado en Gestión de Negocios en la Universidad UNIACC.

Su vínculo con las artes se consolidó a partir de una experiencia personal profundamente significativa: la pérdida de su madre, Yolanda Micaela Toro de Bello, artista y profesora de arte. El proceso de duelo abrió para ella un camino de acercamiento a la creación artística, que progresivamente se transformó en una práctica personal y en un espacio desde el cual elaborar la memoria, la ausencia y las experiencias emocionales.

En aras de este proceso inició su formación y desarrollo de temáticas bajo la mentoría de la artista Melania Macaya, profundizando especialmente en el dibujo y la pintura. Desde 2024 ha participado en diversas exposiciones colectivas y, en abril de 2025, presentó su primera exposición individual, Mariposa de cenizas: belleza cristalizada por tu ausencia, en el Espacio Arte Kasa Amarilla.

Paralelamente a su práctica artística, ha desarrollado una trayectoria como docente de dibujo y pintura para niños, jóvenes y adultos. Desde 2023 se desempeña como profesora en la Santiago Academy of Art y también desarrolla su labor docente en el Espacio Arte Kasa Amarilla. Su enseñanza busca acercar a sus estudiantes al lenguaje visual desde la exploración, la observación y el desarrollo progresivo de una mirada propia.

En los últimos años ha acometido la gestión cultural como una dimensión complementaria de su trayectoria, participando en la creación, organización y articulación de proyectos y exposiciones de artes visuales. Desde este ámbito, trabaja en la generación de espacios de encuentro, circulación y difusión para artistas, integrando creación, educación y gestión dentro de una misma práctica cultural.

Actualmente desarrolla una práctica pictórica figurativa que se desarrolla desde el surrealismo y el simbolismo, centrada en la figura humana, la expresión emocional y la construcción de imaginarios donde convergen cuerpo, naturaleza y elementos simbólicos. Su trayectoria articula así tres ámbitos que considera inseparables de su desarrollo: la creación artística, la enseñanza y la gestión cultural.

Statement:

Mi práctica pictórica figurativa se desarrolla desde el surrealismo y el simbolismo. Trabajo principalmente con la figura humana como vehículo para explorar emociones, experiencias y estados interiores, estableciendo vínculos entre el cuerpo, la naturaleza y distintos elementos simbólicos.

Mi pintura parte de la realidad para transformarla. El color, la luz y el símbolo intervienen en este proceso como recursos para construir una realidad propia, en la que lo visible puede adquirir nuevas asociaciones y significados. Como artista venezolana y latinoamericana, mi relación con la luz y el color ocupa un lugar fundamental en mi manera de percibir y construir las imágenes. La intensidad lumínica de mi experiencia de origen forma parte de esa mirada y se manifiesta en una exploración cromática donde los colores de alta saturación adquieren un papel expresivo. No busco únicamente representar la realidad, sino modificarla a través del color, intensificarla y llevarla hacia un territorio emocional y simbólico.

En mi imaginario existe también una sensibilidad cercana al realismo mágico: una manera de comprender lo extraordinario no como una ruptura de la realidad, sino como algo que puede coexistir naturalmente con ella. Lo espiritual, lo simbólico y lo imaginario aparecen así integrados a escenas reconocibles, generando imágenes en las que la frontera entre mundo exterior e interior se vuelve más permeable.

La experiencia de pérdida y duelo constituye uno de los núcleos desde los que se origina mi obra. A través de la pintura he encontrado una forma de transformar experiencias difíciles en imágenes donde el dolor puede coexistir con la belleza. Este proceso no busca ilustrar una experiencia personal de manera literal, sino convertirla en materia visual: memoria, emoción, cuerpo, color y símbolo se transforman para construir una imagen que pueda trascender lo autobiográfico.

Pintar es, para mí, una forma de transformación. Es el proceso mediante el cual una experiencia interior se vuelve visible y adquiere una nueva existencia. Desde esa perspectiva, mi obra busca abrir un espacio de encuentro entre lo íntimo y lo universal, entre aquello que pertenece a mi propia historia y aquello que puede ser reconocido, interpretado o resignificado por quien contempla la imagen.